Es ist weit über fünfzig Jahre her, seit Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ging erstmals auf beiden Seiten des Atlantiks über den Äther.
Das hektische Kreischen ihrer Fans bei jedem Konzert und der Mangel an Bühnenmonitoren machten es ihnen fast unmöglich, sich selbst als musikalische Einheit zu hören, also traten sie einen Schritt zurück und überdachten ihre musikalische Richtung gegenüber. Ringo Starr erwähnte oft, dass sie zu einem „Haufen lockerer Musiker“wurden, während John Lennon bemerkte: „Sende vier Wachsfiguren heraus … und das würde die Massen zufrieden stellen. Beatles-Konzerte haben nichts mehr mit Musik zu tun."
Außerdem löste Johns Bemerkung "Die Beatles sind beliebter als Jesus" in einer Londoner Zeitung im März 1966 einen weitreichenden öffentlichen Aufschrei aus, wo immer sie auftraten. Ihre Philippinen-Tour 1966 endete in einer Katastrophe, als sie die First Lady Imelda Marcos unwissentlich brüskierten. Im August 1966 waren die Beatles einhellig der Ansicht, dass ihre Tournee-Tage vorbei waren, und gaben am 29. August 1966 ihr letztes gemeinsames Konzert im Candlestick Park in San Francisco.
Da Konzertauftritte und Buchungen nicht mehr auf ihrem Plan standen, zog sich die Gruppe ins Studio zurück, um zu sehen, was sie alle in Bezug auf Musik individuell zu bieten hatten. Die Band hatte bereits mit dem experimentellen Gebrauch von psychedelischen Drogen begonnen und John war bereits von der Avantgarde-Kunst beeinflusst, während Paul begann, klassische Musikideen durch zeitgenössische Komponisten dieser Zeit wie Luciano Berio und John Cage zu erforschen. Für diejenigen, die es vielleicht nicht wissen, war es McCartney, der die Idee vorschlug, ein Album herauszubringen, das auf einer thematischen Idee einer Militärkapelle aus der Edwardianischen Ära basierte. Und so entstand die Idee von Sgt. Pepper wurde geboren.
Die Arbeit für das neue Konzeptalbum begann im November 1966 mit der Aufnahme von Lennons „Strawberry Fields Forever“, einem Song, der von einem realen Ort in seiner Heimatstadt Liverpool inspiriert wurde. Lennon begann das Lied zu schreiben, während er an den Sets von „How I Won The War“drehte, seinem allerersten Film ohne seine Bandkollegen. Das Lied wurde auf einer Vier-Spur-Maschine aufgenommen und war für seine Zeit ein Durchbruch für die Verwendung von Swarmandal und Mellotron. Diese Instrumente evozierten einen avantgardistischen wie eindringlichen Ton. Es wurde im Februar 1967 veröffentlicht, als die B-Seite von McCartney „Penny Lane“schrieb, ein weiteres Lied, das an ihre Jugend in Liverpool erinnerte, das durch bemerkenswerte Tonartwechsel während des gesamten Liedes und die klassische Piccolo-Trompete, die von David Mason in der Brücke gespielt wurde, gekennzeichnet war.
Damals veröffentlichten die meisten Bands eine Single und erstellten das dazugehörige Album. Als Penny Lane und Strawberry Fields Forever es nicht schafften, den ersten Platz in den Charts der Plattenhändler in Großbritannien zu erreichen, fragten sich Fans und Kritiker, ob „die Blase geplatzt ist“.' Die Stunden, die damit verbracht wurden, sie aufzunehmen, ebneten der Band jedoch eine neue musikalische Richtung, die endlich ihre angeborenen musikalischen Genies verstand.
Als die Arbeit an der Produktion des Albums schließlich begann, trieb George Harrison, der inzwischen stark von indischer Mystik und Musik beeinflusst war, seine musikalische Idee in seiner Sitar-Komposition Within you, Without Out voran, die sich auch der bediente Dilruba und Tabla und führte die Welt zum ersten Mal in das Genre des Raga Rock ein. Das Lied spiegelt deutlich Harrisons Ansichten über das Leben wider, wie sie in den indischen Veden gelehrt werden, und kann nicht einfach als Illusion abgetan werden.
Obwohl der Titel „Lucy In The Sky With Diamonds“von einer der Zeichnungen von Lennons Sohn Julian inspiriert wurde, ließ sich Lennon für die Texte stark von Lewis Carrolls „Alice im Wunderland“inspirieren. Das Lied zeichnet sich durch einen starken Tonartwechsel aus, der sich durch das ganze Lied zieht, zusammen mit seiner charakteristischen 3/4-Taktsignatur in der Strophe, gefolgt von einem 4/4-Takt im Refrain.
Sogar der von Lennon-McCartney gelobte A Day in the Life ist am besten für seine farbenfrohen und kunstvoll narrativ gest alteten Texte in Erinnerung geblieben, die ein helles Bild des täglichen Lebens im London der Swinging Sixties zeichnen. Produzent George Martin und McCartney teilten sich die Verantwortung, ein 40-köpfiges Orchester für den mittleren 24-Takt-Abschnitt zu dirigieren, der vom Stil von John Cage und Karlheinz Stockhausen inspiriert war. David Crosby von The Byrds, der während der Sitzungen anwesend war, sagte später: „Mann, ich war ein Geschirrtuch. Ich war platt. Ich brauchte einige Minuten, um danach sprechen zu können.“
Während Produzent George Martin und Tontechniker bei EMI das Album mit einer Vier-Spur-Maschine pressten, erkundeten sie zusammen mit den Beatles neue Misch- und Overdub-Techniken, um den gewünschten Sound zu erzeugen. Inspiriert von James Jamerson ließ Paul McCartney seinen Bass direkt an die Aufnahmekonsole am Aufnahmedeck anschließen, um diesen tiefen Ton für den Titeltrack des Albums zu erh alten.
Während es nach heutigen Maßstäben, wo die meisten Studioaufnahmen computergestützt gemacht werden, als Vintage angesehen werden kann, war das Album für seine Zeit ein Durchbruch, da die Band das Studio und die Aufnahmeeinrichtungen optimierte. Es war das erste Mal, dass das Studio als Musikinstrument und nicht als Institution zur reinen Musikproduktion betrachtet wurde. Die immensen Studiostunden, die für die Produktion des Albums aufgewendet wurden, zwangen Kritiker und Verleger, die Ästhetik der Rockmusik als Kunstform und nicht als Geschäftseinheit zu überprüfen. Das klangliche Experimentieren mit neuen musikalischen Klängen öffnete die Türen zu musikalischen Genres wie Hard Rock, Punk, Heavy Metal, New Wave und anderen Musikstilen, die folgten. Sogar die Alter-Ego-Persönlichkeiten, die John, Paul, George und Ringo rund um das Thema des Albums entwickelten, wurden in den folgenden Generationen zum Grundstein des Glam-Rock-Genres.
Rolling Stone Magazine wurde Sgt. Pepper als das beste Album aller Zeiten, basierend auf den Stimmen von Rockmusikern, Kritikern und Persönlichkeiten der Branche.
