Der Besitz eines kompletten Albums ist im Zeit alter von Spotify-Playlists und 99-Downloads wertlos. Warum ein ganzes Album anhören oder kaufen, wenn man einfach die Highlights bekommen kann, könnte man fragen? Meistens ist das innovatives Denken. Auch Jugendliche bevorzugen heute digitale Versionen. Der Kauf der physischen Alben nimmt zu Hause einfach viel Platz ein. Es gibt jedoch Gelegenheiten, in denen ein Album so makellos, von Anfang bis Ende so fantastisch ist, dass es ein schrecklicher Nachteil ist, nur die wenigen im Radio gespielten Songs zu hören. Einige Alben haben Stücke, die das Potenzial haben, Singles zu werden. Hier sind die Alben, die Sie sich unbedingt anhören müssen, von vorne nach hinten die Musikalben, die ohne den Hype zu riesigen Hits wurden, unabhängig davon, ob Sie Spotify oder Apple Music die Treue schwören oder tatsächlich einen Plattenspieler und eine Vinylsammlung besitzen. Sie sind wirklich so wunderbar.
10 Zurück zu Schwarz von Amy Winehouse
Amy Winehouse ist eine Sängerin und Songwriterin aus England. Sie ist bekannt für ihr breites Spektrum an Musikstilen und ihren tiefen, widerlichen Altgesang. Angesichts des Drogenmissbrauchs, der letztendlich zu Winehouses Tod führte, klingt der Titel ihres besten Albums, Back-to-Black (2006), schrecklich prophetisch. Winehouse war jedoch glühend lebendig darin, amüsant, wütend und verliebt. Diese Stimme, impulsiv, unverwechselbar, immer nach dem falschen Intervall greifend, das sich als genau richtig herausstellt, rettet Produzent Mark Ronson die opulenten Backings, die aus der besten populären Musik des vorigen Jahrhunderts (Doo-Wop, Soul, Hip-Hop) geschöpft wurden).
9 808s & Heartbreak - Kanye West
Sogar Leute, die die früheren Probleme des Vaters von Kims Kindern Kanye West kannten, waren verblüfft über den höhlenartigen Sound und die unverblümten Soul-Texte des vierten Albums, das nach einem traumatischen Jahr veröffentlicht wurde, als seine Mutter starb und seine Verlobung endete. Seine grundlegende Ästhetik war anders als alles im Hip-Hop: Betten aus spärlichen Synthesizern wurden verwendet, um eine Mischung aus Gesang und Rappen auszugleichen. Frisch geschlachtete Sensationen wurden detailliert beschrieben, aber von der digitalen Bearbeitung überdeckt. Aber mit der Zeit wurde es zu einem frischen Modell für aufstrebende Hip-Hop- und R&B-Künstler.
8 Musik für Partys von Silicon Teens
Diese fiktive Band hätte den Soundtrack von The Big Chill für die Blade Runner-Generation produzieren können, wenn sie einen Erfolg auf Gorillaz-Niveau erreicht hätten. Ein Teenie-Quartett, bekannt als Silicon Teens, wurde vermarktet, indem es einfachen Synth-Rock spielte, der klang, als wäre er auf einem Taschenrechner produziert worden, und fröhliche Musik erklang. Die Songs aus dem Film Dirty Dancing von 1962, wie Doo Wah Diddy Diddy, Let's Dance und Do You Love Me? Alles wurde tatsächlich von Daniel Miller, dem Gründer von Mute Records, aufgeführt, wobei Frank Tovey von Fad Gadget als „Gesicht“in der Presseaufnahme und dem dazugehörigen Musikvideo fungierte. Der "Chip 'n' Roll"-Sound des Projekts war ein hervorragendes Beispiel dafür, wie man die Vergangenheit der Popkultur würdigt und gleichzeitig eine bevorstehende technologische Revolution begrüßt.
7 Aufgeben bei der Post
Ben Gibbard und Jimmy Tamborello, Mitglieder von Death Cab for Cutie, begannen 2001 mit dem Austausch von Songideen über digitale Tonbänder, die zwischen Seattle und Los Angeles hin und her geschickt wurden. Jenny Lewis, die Leadsängerin von Rilo Kiley, teilte mit Tamborellos Wohnhaus fügte ihren Songs Backing-Vocals hinzu. Give Up war das Ergebnis, eine ätherische Synth-Pop-Ablenkung vom gitarrenzentrierten Machismo des Indie-Rock-Genres. In Anlehnung an die New Romantics der 1980er Jahre fügten sie ihren computerisierten Liebesballaden ein eisiges, symphonisches Ambiente hinzu. Trotzdem konnten selbst Gibbards und Lewis' glänzende, roboterhafte Vokalisationen das exzessive Melodrama der Texte nicht zähmen.
6 In Rainbows von Radiohead
Das ganze Fundament des Musikgeschäfts wurde von In Rainbows erschüttert. Mit der einfachen Aussage „Das neue Album ist fertig und erscheint in 10 Tagen“beendete Radiohead die vierjährige Wartezeit nach dem 2003 erschienenen Hail to the Thief und revolutionierte den Promotion-Zyklus im digitalen Zeit alter. Viele Musiker haben versucht, einen Radiohead zu ziehen, wobei Beyoncé und die irische Rockband U2 dies erfolgreich taten, nachdem In Rainbows in jedem Briefkasten aufgetaucht war und Fans diese schrecklichen Eröffnungsnoten von 15 Step zusammen erlebten. Die „Pay what you want“-Option des Albums gab begeisterten Fans, Gelegenheitshörern und interessierten Zuhörern die Freiheit, der Musik ihren eigenen Wert beizumessen, was lediglich ein weiterer Schritt war, um die Art und Weise, wie die Musikindustrie Geschäfte macht, herauszufordern.
5 Die dunkle Seite des Mondes von Pink Floyd
Ignoriere, dass das Albumcover in jeder Bruderschaft der Nation gezeigt wird. Eines der großartigsten Alben, die gemacht wurden, ist The Dark Side of the Moon. Das achte Studioalbum von Pink Floyd reduziert den Sound der Band und verstärkt die Botschaft. Jedes Lied bezieht sich auf einen tief sitzenden Wunsch oder Glauben, der in einer Person existiert. Es wurde in jede Liste der größten Alben aufgenommen, die je gemacht wurden. Jeder Song repräsentiert einen anderen Lebensabschnitt, und wenn er der Reihe nach gespielt wird, fühlt sich das Album durch seine Kohärenz wie ein nahtloses Stück an und nicht wie eine Sammlung einzelner Komponenten. Dies ist der Versuch der Band, die menschliche Erfahrung zu beschreiben.
4 Einen Schmetterling pimpen - Kendrick Lamar
Der amerikanische Rapper Kendrick Lamar erweiterte das Potenzial des Rap in den 2010er Jahren, indem er Inspirationen aus der Beatszene von L. A., darunter Kamasi Washington und Flying Lotus, einfließen ließ. Auf Neo-Soul, Jazz und squelchy Funk holperte er Crenshaw hinunter wie ein Auto. Das Polizeihetzlied Alright wurde zu einer Bürgerrechtshymne für das Post-Ferguson-Zeit alter; Das gesamte Album war eine Antwort auf Diskriminierung, da es die Vielf alt des künstlerischen Ausdrucks der Schwarzen feierte.
3 Nevermind von Nirvana
Das zweite Album des Washington-Trios war dasjenige, das die Grenzen zwischen Pop-Polnisch und D. I. Y. Melancholie, obwohl Nirvana nicht die ersten Indie-Stars waren, die bei einem Major-Label unterschrieben oder die Nummer eins erreichten. Nevermind veränderte die Art und Weise, wie Toningenieure Bands aufzeichneten und Publizisten sie vermarkteten, machte Unzufriedenheit zur Ware, begründete einen archetypischen musikalischen Mythos für das späte 20. Jahrhundert und löste einen Alt-Rock-Goldrausch aus, der Hunderte von Alt-Rock-Bands hervorbrachte. Nevermind brachte auch Punk und Punk in die Charts, übertrug eine postfeministische Sensibilität auf die Massen, überbrückte MTV und College-Radio und lieferte mürrischen Teenagern aphoristische Angst, die sie in einem Schulheft nachahmen konnten.
2 LAMF von Johnny Thunders' Heartbreakers
Das einzige Studioalbum der Heartbreakers war eine Aufzeichnung von New Yorker Straßenkämpfern, die in London verirrt waren und nach Liebe, Ruhm oder irgendetwas anderem suchten, das sie für Drogengeld verkaufen konnten. Es war ein gebrochenes Durcheinander von Gitarren-Slop, das zu den beschleunigten Rhythmen des Rock und R&B der Fünfzigerjahre passte. The Heartbreakers wurden 1975 gegründet, nachdem der Gitarrist Johnny Thunders und der Schlagzeuger Jerry Nolan die New York Dolls verließen. Sie tourten in diesem Jahr mit den Sex Pistols und machten das Album L. A. M. F. (kurz für „Like a Mother Fucker“), während sie im Ausland waren.
1 Fever To Tell von Yeah Yeah Yeahs
Trotz der Fanfaren hat die Brooklyner Musikszene Anfang der 2000er Jahre nicht viele echte Rockstars hervorgebracht, aber Karen O war die Beste. Sie hatte die Macht, ihre wilde, bluesige Verachtung beim Debüt der Gruppe in einen Banshee-ähnlichen Schrei zu verwandeln, während Maps ein Lied von unverfälschter Verletzlichkeit war. Bei den Yeah Yeah Yeahs geht es nicht nur um O; wie Jack White, ein weiterer herausragender Gitarrist dieser Jahre, konnte Nick Zinner jederzeit zwischen Bass und Lead wechseln, und Schlagzeuger Brian Chase kontrastiert aufgewühlte Hi-Hats mit trommelnden Toms.
